El cine después de 1945. V. El cine británico: De la Comedia Ealing al Free Cinema

En los primeros años de posguerra, paralelamente a la producción inglesa documentalista cobró un gran impulso la ficción en los estudios de la empresa Ealing.

La empresa Ealing impulsó una línea de comedia apoyada en la paradoja, el ingenio y el absurdo con películas como "Cuando la vida sonríe" de Frank Launder (1950).

Un estilo de comedia que el cine británico practicó con niveles de particular brillo en los que habitualmente una situación absurda era conducida con impecable lógica interna hasta obtener resultados hilarantes.

Con brillantes libretos y un elenco de primera línea encabezado por el inefable Alec Guinness, se lanzaron películas muy recordables como "Los ocho sentenciados"(1949), "Padre Brown, detective"(1953) ambas de Robert Hamer, y "El quinteto de la muerte" (1955) de Alexander Mackendrick, entre otras.

Comedias o no, las películas de la Ealing eran inequívocamente británicas: "Frieda" (1947), de Basil Dearden, analizaba la noción británica de la 'culpa de la guerra', mientras que "El farol azul" (1950) fue la primera película en presentar al policía inglés (bobby) más como asistente social que representante de la ley. Sin embargo, la Ealing estaba como la Inglaterra que a menudo representaba en sus producciones: cansada, agotada por la guerra y sus privaciones, y tuvo que cerrar en 1959.

El cambio llegó desde el teatro

El cine inglés era aburrido para la mayoría del público, y la nueva inspiración llegaría del teatro, que estrenaba obras nuevas y a menudo polémicas. Su modelo fue "Mirando hacia atrás con ira" (1956), de John Osborne, que acuñó la expresión 'jóvenes airados', que englobaba al propio Osborne, a Tony Richardson, Karel Reisz y Lindsay Anderson.

A través de su movimiento, el "free cinema" (cine libre), estos jóvenes autores clamaban por la independencia artística de un cine inglés menos anclado en los valores tradicionales y los triunfos pasados, que se ocupara más de las preocupaciones y aspiraciones contemporáneas.

El Free cinema se encuadra dentro de una estética contestataria, crítica para con su sociedad puritana y clasista; plantea las inadaptaciones sociales que ocasiona la vida en las grandes ciudades industriales y la soledad del hombre contemporáneo en ellas.

Aunque el modelo del free cinema era la nouvelle vague, sus cineastas estaban más preocupados desde el punto de vista temático con un mayor compromiso social que con el espíritu de cambio y sentido de autodescubrimiento desde el punto de vista formal.

En ese sentido podría decirse que el Free Cinema bebió desde una fuente más tradicional, la Remus, de John y James Woolf Remus, quienes produjeron "Un lugar en la cumbre"(1959), de Jack Clayton, a partir de la novela de John Braine, y que, marcó el inicio de una serie de películas realistas cuyos argumentos analizaban los problemas de la clase trabajadora inglesa.

Osborne, Alan Sillitoe, David Storey, y otros escritores suministraron la base literaria para un cambio radical en la producción independiente (las productoras Woodfall, Bryanston e Independente Artist, que harían películas como "Mirando hacia atrás con ira", (1959); "Un sabor a miel", (Tony Richardson, 1961); "Sábado noche, domingo mañana", (Karel Reisz, 1960); y "El ingenuo salvaje", (Lindsay Anderson, 1963). La última sería un fracaso comercial y la Rank Corporation, que la distribuía, volvió la espalda a la financiación de estos 'dramas de fregadero'.

Esta nueva vitalidad, que Lindsay Anderson y sus colegas representaron, tomaría un nuevo rumbo en los años sesenta, bajo el influjo de la cultura joven y su énfasis en la moda y la música pop.

El Reino Unido, con sus ventajas financieras para los productores, se convirtió en un foco de atracción para la producción cinematográfica internacional.

Los actores y actrices británicos e irlandeses, como Julie Christie, Albert Finney, Glenda Jackson, Richard Harris, Peter O'Toole, Alec Guiness o Vanessa Redgrave se hicieron muy populares.

En este sentido, el cine británico ha venido siendo un punto intermedio entre la industria comercial de Hollywood y el cine europeo de calidad, como muestra alguna co-producción británica, por ejemplo "Blow-up" (1966) de Michelángelo Antonioni o "Perdidos en la noche" de John Schlesinger.

 
En "Blow up", obra basada en un relato del esritor argentino Julio Cortázar, el director italiano Michelangelo Antonioni mostró los años sesenta londinenses como una distracción comercialmente manipulada para ocultar los problemas políticos sin resolver que afrontaba el país.

Otro ejemplo es el del director inglés John Schlesinger que rodó en Nueva York "Perdidos en la noche" (1969), un mordaz relato de la decadencia del sueño americano. Estas dos películas, por ejemplo, se distribuyeron en los Estados Unidos superando los circuitos de las salas de arte y ensayo, llegando al gran público con enorme éxito.

Esta visión del Reino Unido era compartida por Joseph Losey, expatriado estadounidense (perseguido por la 'caza de brujas' maccarthysta), el director norteamericano "más británico", y quizás el mayor exponente que dio el cine inglés de esta generación. Un maestro del cine.

En un estilizado análisis "El sirviente" (1963), "Modesty Blaise, superagente femenino" (1966) y "Accidente" (1967), asumía un punto de vista despectivo en su obsesión por mostrar las clases sociales y el sexo.

Entre otros directores estadounidenses, Richard Lester, que había dirigido la película jazz-pop "Son los negocios, papá" (1962), daría un paso importante en su trayectoria con "¡Qué noche la de aquel día!" (1964) y "Help!" (1965), dos comedias, protagonizadas por los Beatles.

En 1964, Roger Corman dirigió, también en el Reino Unido, dos de sus películas de terror más admiradas, "La máscara de la muerte roja", y "La tumba de Ligeia".

Aparte de Losey, el gran impacto desde Estados Unidos vendría de la mano de Stanley Kubrick con "2001: Una odisea en el espacio" (1968), y "La naranja mecánica" (1971), que introdujeron procedimientos técnicos entonces desconocidos en el Reino Unido.